BacilosCIUDAD DE MÉXICO (AP) — En su álbum más reciente, Bacilos se propuso volver a sus raíces, tanto en la composición como en la instrumentación.
La mayoría de los temas fueron compuestos por Jorge Villamizar, una de las mitades de Bacilos, en los últimos dos o tres años, pero siguiendo el estilo de los álbumes de cantautor de la década de 1990.
“Vienen de un reto de volver a escribir solo, porque me he dado cuenta que la composición grupal se ha impuesto y la composición grupal es muy interesante y genera cosas muy divertidas… Pero le falta a veces profundidad”, dijo en entrevista por videollamada desde Miami. “Esa fue en un principio la idea: hacer canciones individuales, que vengan de un sitio más profundo”.
La otra parte era la ejecución. Para mantener ese lado personal de las canciones, grabaron en bloque, con todos los músicos tocando presencialmente en el estudio Criteria. Los acompañaron músicos cubanos residentes en Miami con los que suelen salir de gira.
“Empezamos a trabajar las canciones en proceso de preproducción, nada más tocándolas, probando ideas, como hacíamos Bacilos en el principio, en los años 90”, dijo André Lópes, la otra mitad de Bacilos.
“Grabamos todos y suena realmente algo muy natural, muy orgánico, muy verdadero, muy de una banda en vivo. Ésa es la idea también para que podamos llevar estas canciones en vivo y van a sonar a algo muy similar a como suena en el disco”, agregó.
Uno de sus sencillos es “Enredadera” sobre una relación fallida, sin una causa real para su fracaso.
“Usa la metáfora de una relación que crece alrededor tuyo, como una enredadera, que no es tan rígida, no es fácil librarte de ella”, dijo Villamizar.
Dos de las canciones vienen del disco solista homónimo de Villamizar. “Enredadera” es una de ellas y la grabaron en una nueva versión para presentarla al público de Bacilos. “Pequeños romances” es la otra canción tomada del álbum de Villamizar. En ella dicen que los romances tienen una fecha de expiración, aunque también está dedicada a los romances más ambiguos como el cariño por una ciudad o una canción.
“Yo me caso contigo” surgió de su trabajo en un álbum del mexicano León Leiden, cuando conocieron a un músico de serenatas y tríos en Monterrey que les enseñó a tocar huapango. También está inspirada en la música de raíces mexicanas de Natalia Lafourcade.
“Habla de una historia totalmente visceral cuando te das cuenta que necesitas a una persona y que estás dispuesto a cometer la locura incluso de casarte”, dijo Villamizar.
Una de las canciones para las que contaron con un colega para la composición es “Las notas de mi psicóloga”, que crearon en Buenos Aires con Sandro Puente.
“Buenos Aires es una ciudad que todo mundo tiene psicólogo”, dijo Villamizar.
Originalmente la hicieron como un vallenato, después Sandro la hizo más argentina y al final quedó más cercana a la cumbia de la década de 1970.
“Anoche” menciona malas experiencias con el tequila.
“He tenido una relación muy cercana e intensa con el tequila que, de hecho, estoy comenzando a enfriar”, dijo Villamizar. “Pero, bueno, a veces te hace decir la verdad y eso es importante”.
“Hay que respetar el tequila como se respeta el mar”, agregó Lópes.
Otro de los aspectos mexicanos del álbum es el arte de su portada, realizado en Tijuana.
Bacilos se fundó en Miami en 1997 por Villamizar, que es colombiano, Lópes quien es brasileño y el puertorriqueño José Javier “JJ” Freire. Lanzaron su primer álbum en 1999 y se mantuvieron unidos hasta 2007, tras lo cual se tomaron un receso de una década. Retomaron su actividad en 2017, aunque Freire se retiró del proyecto en 2021. Han sido galardonados con dos Latin Grammy.
“Nos sentimos muy afortunados, muy contentos, nuestros fans han sido muy cariñosos con nosotros, nos han dado no solamente una oportunidad, sino dos oportunidades”, dijo Lópes.
“Nos siguieron acompañando, escuchando nuestra música a través de las plataformas, bailando nuestras canciones en las fiestas, matrimonios, divorcios”, agregó. “Nos llenan de energía para seguir haciendo lo que nos encanta hacer, ni parece que fueran más de 20 años, parece que fue ayer que tocamos en bares de Miami”.
Bacilos se presentarán en concierto este fin de semana en el Auditorio BB de la Ciudad de México. Más adelante estarán en Madrid, Barcelona, en España, y Bogotá, en Colombia.
“Bacilos es una banda latinoamericana”, dijo Villamizar. “Nos sentimos a gusto en todas las ciudades donde está nuestra gente”.
(Foto AP/Berenice Bautista)
BY  BERENICE BAUTISTA
Star trekTOKIO (AP) — El encarcelamiento de 120.000 japoneses estadounidenses , incluidos niños, considerados enemigos durante la Segunda Guerra Mundial es una experiencia histórica que ha traumatizado y galvanizado a la comunidad japonesa estadounidense a lo largo de décadas.
Para George Takei, quien interpretó a Hikaru Sulu a bordo del USS Enterprise en la franquicia “Star Trek”, es una historia que está decidido a seguir contando cada vez que tenga la oportunidad.
“Considero que mi misión en la vida es educar a los estadounidenses sobre este capítulo de la historia estadounidense”, dijo en una entrevista reciente con The Associated Press.
Teme que la lección sobre el fracaso de la democracia estadounidense no se haya aprendido realmente, ni siquiera hoy, incluso entre los estadounidenses de origen japonés.
“La vergüenza del internamiento es del gobierno. Ellos son los que hicieron algo injusto, cruel e inhumano. Pero muy a menudo las víctimas de las acciones del gobierno asumen la vergüenza”, dijo.
Takei, de 87 años, tiene un nuevo libro ilustrado para niños de 6 a 9 años y sus padres, llamado "Mi libertad perdida". Está ilustrado en suaves acuarelas de Michelle Lee.
Takei tenía 4 años cuando el presidente Franklin D. Roosevelt firmó la Orden Ejecutiva 9066 el 19 de febrero de 1942, dos meses después del bombardeo japonés de Pearl Harbor , declarando a cualquier persona de ascendencia japonesa enemigo de los Estados Unidos y expulsándolo por la fuerza de su Occidente. Casas de la costa.
Takei pasó los siguientes tres años detrás de alambres de púas, custodiado por soldados armados, en tres campamentos: el hipódromo de Santa Anita, que apestaba a estiércol; Campamento Rohwer en una zona pantanosa; y, desde 1943, Tule Lake, un centro de segregación de alta seguridad para los “desleales”.
“Éramos vistos como diferentes de otros estadounidenses. Esto fue injusto. Éramos estadounidenses y no teníamos nada que ver con Pearl Harbor. Sin embargo, estábamos encarcelados detrás de alambres de púas”, escribe Takei en el libro.
A lo largo de todo, se retrata a sus padres soportando las dificultades con tranquila dignidad. Su madre cosía ropa para los niños. Hicieron sillas con restos de madera. Jugaron béisbol. Bailaron con Benny Goodman. Para Navidad, regalaron un Papá Noel que parecía japonés.
La de Takei es una notable historia de resiliencia y búsqueda de justicia, repetida a lo largo de la experiencia japonés-estadounidense.
Es una historia que ha sido contada una y otra vez en libros como “Adiós a Manzanar” de 1973, de Jeanne Wakatsuki Houston; “Only What We Could Carry”, editado por Lawson Fusao Inada hace más de 20 años; y “La literatura sobre el encarcelamiento japonés-estadounidense”, que acaba de publicarse, compilado por Frank Abe y Floyd Cheung.
David Inoue, director ejecutivo de la Liga de Ciudadanos Japonés-Americanos, con sede en Washington, DC, cree que el mensaje del libro de Takei sigue siendo relevante.
Dijo que la discriminación persiste hoy, como se vio en los ataques contra los asiáticos que estallaron con la pandemia de COVID-19 . Inoue dijo que su hijo ha sido objeto de burlas en la escuela de la misma manera que él crecía.
“Una de las cosas importantes de tener libros como este es que nos humaniza. Cuenta historias sobre nosotros que muestran que somos como cualquier otra familia. Nos gusta jugar béisbol. Tenemos mascotas”, dijo Inoue.
Takei y su familia fueron enviados a Tule Lake en el norte de California porque sus padres respondieron "No" a preguntas clave en el llamado cuestionario de lealtad.
La pregunta número 27 preguntaba si estaban dispuestos a servir en las fuerzas armadas de Estados Unidos. La pregunta número 28 preguntaba si juraron lealtad a los Estados Unidos y si renunciarían a la lealtad al emperador japonés. Ambas eran cuestiones controvertidas para personas que habían sido despojadas de sus derechos civiles básicos y etiquetadas como enemigas.
"Tanto papá como mamá pensaron que las dos preguntas eran estúpidas", escribe Takei en "My Lost Freedom".
"Las únicas respuestas honestas fueron No y No".
Takei dijo que las preguntas no explicaban qué pasaría con las familias con niños pequeños. La segunda pregunta tampoco salió ganadora, dijo, porque sus padres sentían que no había ninguna lealtad hacia Japón que denunciar.
Tule Lake era el más grande de los 10 campamentos y albergaba a 18.000 personas.
Los jóvenes que respondieron “Sí” pasaron a formar parte del Equipo de Combate del 442.° Regimiento, totalmente japonés-estadounidense, que luchó en Europa mientras sus familias permanecían encarceladas. El 442, con su famoso lema "Go for Broke", es la unidad más condecorada de su tamaño y duración de servicio en la historia militar de Estados Unidos.
"Estaban decididos a demostrar su valía y sacar a sus familias de los alambres de púas", dijo Takei. “Ellos son nuestros héroes. Sé que les debo mucho”.
Después de la rendición de Japón, Takei y su familia, como todos los japoneses americanos liberados de los campos , recibieron cada uno 25 dólares y un billete de ida a cualquier lugar de Estados Unidos. La familia de Takei decidió empezar de nuevo en Los Ángeles.
En 1988, la Ley de Libertades Civiles –después de años de esfuerzos y testimonios de estadounidenses de origen japonés, incluido Takei– otorgó una reparación de 20.000 dólares y una disculpa presidencial formal a cada ciudadano estadounidense o inmigrante residente legal de ascendencia japonesa superviviente encarcelado durante la Segunda Guerra Mundial.
La voz de Takei se ahogó cuando recordó que su padre no vivió para verlo.
Observó con orgullo la diversidad representada en “Star Trek”, una serie de televisión que comenzó a mediados de la década de 1960 y que desarrolló seguidores devotos. Allí, la tripulación que voló junta a través de las galaxias tenía diversos orígenes.
El escritor, creador y productor de “Star Trek”, Gene Roddenberry, quería retratar los tiempos turbulentos y el movimiento por los derechos civiles en un programa de televisión, pero tuvo que hacerlo metafóricamente para hacerlo aceptable, dijo Takei.
“Diferentes personas, diferentes ideas, diferentes gustos, diferentes comidas. Quería hacer esa declaración. Se suponía que cada uno de los personajes representaría una parte de este planeta”, dijo Takei.
Takei recordó cómo su padre le enseñó que el gobierno “del pueblo, por el pueblo y para el pueblo”, como lo expresó Abraham Lincoln en su discurso de Gettysburg, también podía resultar una debilidad.
“Todas las personas son falibles, incluso un gran presidente como Roosevelt. Lo arrastró la histeria de la época, el racismo de la época. Y firmó la Orden Ejecutiva 9066”, dijo Takei.
Yuri Kageyama está en X: https://twitter.com/yurikageyama
YURI KAGEYAMA
Kageyama cubre las noticias de Japón para The Associated Press. Sus temas incluyen cuestiones sociales, medio ambiente, negocios, entretenimiento y tecnología
(AP Foto/Bob Galbraith, Archivo)
actor JohnnyLOS ÁNGELES (AP) — El ex actor de “General Hospital” Johnny Wactor fue asesinado a tiros cuando interrumpió a unos ladrones que robaban el convertidor catalítico de su automóvil en Los Ángeles, dijo su familia el domingo.
El tiroteo ocurrió alrededor de las 3 am del sábado cuando la víctima se acercó a tres hombres en el centro de Los Ángeles, según el Departamento de Policía de Los Ángeles.
Su madre, Scarlett Wactor, le dijo a ABC 7 que su hijo de 37 años había salido del trabajo en un bar en la azotea con un compañero de trabajo cuando vio a alguien en su automóvil y pensó que lo estaban remolcando. Un sospechoso que llevaba una máscara abrió fuego, dijo su madre.
Tres sospechosos huyeron del lugar, dijo la policía. Wactor fue trasladado de urgencia a un hospital, donde murió.
No hubo arrestos hasta el domingo por la noche.
El agente de Wactor, David Shaul, dijo que el actor era "un verdadero ejemplo moral para todos los que lo conocieron".
“En los altibajos de una profesión desafiante, siempre mantuvo la cabeza en alto y se esforzó por lograr lo mejor que podía ser”, dijo Shaul en un comunicado el domingo. “Nuestro tiempo con Johnny fue un privilegio que le desearíamos a todos. Literalmente te daría la camiseta que lleva puesta. Después de más de una década juntos, dejará un hueco en nuestros corazones para siempre”.
Wactor interpretó a Brando Corbin en la telenovela de ABC de 2020 a 2022. También apareció en una variedad de películas y series de televisión, incluidas “Station 19”, “NCIS”, “Westworld” y el videojuego “Call of Duty: Vanguard”. "
Esta historia se publicó por primera vez el 26 de mayo de 2024 y se actualizó el 28 de mayo de 2024 con fotos de Wactor en el set de “Hospital General”.
(Scott Kirkland/ABC via AP)
Luis FonsiCIUDAD DE MÉXICO (AP) — Luis Fonsi está de fiesta al cumplir 25 años de carrera en los que ha cosechado éxitos mundiales como “Despacito” y “Échame la culpa”, así como premios Latin Grammy, por lo que decidió emprender un viaje con sus fans.
Pero no es un viaje por ciudades convencionales, a veces es a playas como La Romana, a veces a regiones como Andalucía o países enteros como México. También lo lleva a ciudades de sus amigos como Santa Marta, de Carlos Vives, y Roma, de Laura Pausini.
Además de ir a diferentes latitudes, Fonsi transita en el tiempo: de memorias de los años 1990 a los años 2000 y a las noches actuales bailando en el club. “El viaje” es su undécimo álbum y el primero conceptual en su trayectoria.
En el caso de “Santa Marta”, con Vives, Fonsi se propuso hacer una canción para celebrar el amor, aniversarios, bodas y para dedicarla en ese día en el que el amor comenzó. Con el video del tema se propusieron hacer algo más espontáneo y de estilo documental, así que lo filmaron en tres casas de Bogotá a las que llegaron sin mucho aviso para dar serenatas.
“Las damas, en este caso, no sabían que nosotros íbamos a hacer una serenata”, dijo Fonsi. “Las reacciones que ven en el video son honestas; no es algo actuado, no es algo fingido”.
El tema lo trabajaron a la distancia Fonsi y Vives entre Los Ángeles y Bogotá. Es una colaboración completa con versos de ambos. Fonsi calificó el proceso como armar un rompecabezas. “Me parece que surgió la canción perfecta para unirnos”, señaló.
En el caso de “Roma”, Fonsi tenía claro que Pausini sería su invitada.
“Desde el primer acorde y la primera letra la escribí pensando en su voz y en su estilo y en cómo sonaría cantarla en armonía juntos”, dijo. “Habíamos grabado una canción hace muchos años atrás, pero nunca se había lanzado; entonces como que nos quedó esa espinita por hacerlo nuevamente”.
“Por suerte conozco muy bien a Laura a nivel personal y a nivel musical y como que me sentí súper cómodo creando algo a medida”, aseguró.
Su video en blanco y negro, que acumula más de 2,5 millones de vistas desde su lanzamiento hace un mes, fue filmado en el aeropuerto de Miami con bailarines en traje sastre, así como con Fonsi y Pausini con elegantes trajes negros.
“El viaje” surgió por dos canciones que compuso Fonsi que casualmente tenían por título una ciudad. Los temas iniciales no quedaron en su álbum, pero esto desató la chispa para el cantautor que buscó que la música no fuera un cliché de las ciudades y regiones que reflejan.
“Es algo un poco más poético y no necesariamente tan literal, pero me gustó el reto, me gustó que lo veía como una manera de decir gracias a todos estos lugares”, señaló. “Me gustó tener una dirección diferente a la hora de hacer un álbum, especialmente en la parte más importante, que es la parte de la composición”.
Algunos destinos pueden ser más misteriosos, como La Romana, una playa en República Dominicana que Fonsi dice que visitaba mucho cuando era niño. O Marbella, que canta con Omar Montes, y cuyo título eligió porque le suena a verano y Fonsi la visita en esa temporada.
Su esposa Águeda López, también tiene una canción: “Andalucía”.
“Me encanta, mi esposa es andaluza, siempre he dicho que los andaluces son muy cercanos a nosotros los latinos, en su manera de hablar, en su flow, en su cultura, su música, en su manera de ser, punto”.
“Buenos Aires” es una cumbia y “México”, un tema pop candente surgido por una plática con un amigo que fue a un hotel en la playa de Tulum con su pareja a desconectarse del mundo exterior, sin televisión ni celulares.
“En realidad lo que hice fue escribir una canción como si yo estuviese ahí… Es una canción sexy”, apuntó Fonsi, quien comenzará una gira por México en octubre.
Al haber tantos músicos talentosos en Puerto Rico, Fonsi dijo que se enfrentaba al “buen problema” de elegir a un invitado para su canción “San Juan”. Al final se decidió por el músico urbano Jay Wheeler.
“Siempre me ha gustado lo que está haciendo Jay, me parece que tiene un color de voz muy bonito”, señaló. “Me lo traje al mundo de ya más balada tradicional, cosa que él quería hacer también; para él era un reto… Creo que la gente se ha sorprendido de escucharlo de esta forma y me encantó lo que hizo”.
Fonsi llevará su gira por España en el verano (boreal) y por Argentina, Chile y República Dominicana en noviembre.
BY  BERENICE BAUTISTA
(Foto AP/John Locher, archivo)
TruenoCIUDAD DE MÉXICO (AP) — El rapero argentino Trueno sabe que es heredero de años de historia en el hip hop, pero también está interesado en crear nuevos capítulos como en su más reciente álbum “El último baile”, donde mezcla géneros como jazz, funk y dancehall para canciones originales.
Una de ellas es “The Roof is on Fire”, que representa el estilo de rap de la década del 2000, interpretado por artistas como Pharrell de The Neptunes. Para Trueno, la canción y su respectivo video son una forma de prender fuego a las reliquias del pasado. Reinventarse.
“Es el estilo de rap que más me gusta porque yo nací en los 2000”, dijo en entrevista en la Ciudad de México. “El hip hop cumplió 50 años, estamos proponiendo los próximos 50; era una manera irónica de decir ‘quemamos el pasado, pero para reinventarnos como el ave fénix’”.
El día de la entrevista, Trueno fue el encargado de lanzar la primera bola ceremonial del tercer juego de la serie de la temporada 2024 de la Liga Mexicana de Béisbol, entre los Diablos Rojos del México y el Águila de Veracruz, celebrado en el estadio Alfredo Harp Helú.
“Practicamos, nunca había lanzado una pelota en mi vida, pero salió bastante bien por suerte”, dijo sonriente. “Entre el béisbol y el basket, para mí son los reportes más raperos que hay, así que me gusta”.
Previo a su lanzamiento, Trueno firmó autógrafos de los fans que se emocionaron cuando se acercó a las gradas, también posó para fotos con las mascotas de los Diablos Rojos, Rocco y Roccy. Incluso le regalaron un Dr. Simi, un muñeco de peluche de una cadena de farmacias que se ha convertido en una especie de trofeo para artistas extranjeros en México.
“No me lo esperaba, la verdad es que estoy muy agradecido con la fanaticada de los Diablos”, señaló.
Trueno, quien se ha presentado exitosamente en festivales mexicanos como Ceremonia y Vive Latino, planea volver más adelante en el año con una serie de conciertos en septiembre.
“México va a ser uno de los dos o tres países que tienen la gira más grande”, adelantó.
Por ahora los fans pueden disfrutar de las canciones de “El último baile”, como “Rain III”, en la que hace lujo de sus habilidades con un rapeo super rápido.
“Esta vez le dimos metralleta, antes rapeábamos más despacio, esta vez con sentimiento y rápido”, dijo. “Es para mí un espacio un poco íntimo, el tema donde más escribo como desde la persona y desde los problemas más carnales y más naturales que tenemos todos”.
“Rain III”, al igual que “Pull up!” y “Plo Plo!”, remite a estilos retro como el soul y el dancehall. “Ohh Baby” es más cercana a la música disco e incluye coristas. “Cuando el bajo suena”, tiene una base de house electrónica. Es el primer disco sin colaboraciones de Trueno tras “Arevido”, “Bien o mal” y el EP “Trueno”. En la producción, contó con la participación de Tatool y Brian Taylor, Víctor Martínez y Pablo Drexler.
“Como es un disco sin colaboraciones”, dijo, “Lo que tratamos de hacer fue fusionar la máxima cantidad de personas dentro de una canción: coristas, músicos, en algunos de los temas hay artistas y leyendas que me hicieron los apoyos”.
Una de estas leyendas es el jamaiquino Sean Paul en “Pull Up!”.
“Tratamos de darle unos featurings subliminales”, dijo. “Este disco se dio natural y siempre hicimos las canciones enteras y cuando nos dimos cuenta, ya teníamos todas las canciones listas y me parece lindo también”.
“Night” es una mezcla de jazz con trap. En “Real Gangsta Love”, incluye algo de reggae y R&B. El álbum tiene también referencias a artistas y canciones emblemáticas del hip hop.
“Cada canción tiene como una influencia de un género musical que estuvo dentro de la cultura del hip hop; el jazz es una de ellas”, dijo. “Para cada trabajo que me propongo, para cada obra, me instruyo, estudio mucho, más que nada la cultura se trata de conocimiento. Mucho de estudio hubo ahí y siempre es aprender de los mejores y de los primeros y de tratar de seguir ese camino”.
“Y también lo bueno de tener tantos géneros dentro de la cultura del hip hop es que te permite expresar un montón de sentimientos, nostalgia, amor, desamor, fiesta, protesta, celebración; en el disco pude explayar muchas versiones de mí”, agregó.
“Plo Plo!” tiene un verso dedicado al barrio popular bonaerense de La Boca. “Yo soy de La Boca desde la cuna hasta la tumba”, dijo orgulloso.
Trueno nació el 25 de marzo de 2002, meses después del Corralito, que desató más de dos décadas de crisis económica en Argentina. Prácticamente, toda su vida ha transcurrido en ese ambiente al que ahora se suma el presidente Javier Milei, libertario de extrema derecha, quien ha impuesto duras medidas para tratar de controlar la inflación.
“Creo que es poco tiempo de presidencia para dar una opinión, lo único es que yo soy una persona que está totalmente en contra de la dictadura y no me olvido de lo que pasó en Argentina, ni en ningún país de Latinoamérica”, dijo. “Eso me parece que es clave, no olvidárselo, nunca más ni olvido ni perdón a la dictadura”.
BY  BERENICE BAUTISTA
(Foto AP/Berenice Bautista)

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