Cillian Murphy no leyó “Small Things Like These” en busca de una película que rodar. Era simplemente un fanático de la autora, Claire Keegan.
Su historia, nominada al premio Booker, era una obra de ficción histórica sobre las lavanderías de la Magdalena en Irlanda y un hombre común con un trauma reprimido que no puede obligarse a mirar hacia otro lado durante la Navidad de 1985. La belleza de la prosa y las complejidades de los temas persistían en la mente de Murphy. El actor irlandés también había estado pensando en crear su propia compañía de producción. Milagrosamente, los derechos estaban disponibles.
Como guiño a la película, que se estrena en los cines de Norteamérica el viernes, Murphy y su socio productor Alan Moloney llamaron a su compañía Big Things Films.
“Pensamos que si lo llamamos Small Things Films, demostraríamos una falta de ambición”, dijo Murphy riendo. “Pensamos que sería mejor llamarlo Big Things Films”.
“Small Things Like These” se hizo después de “Oppenheimer” pero antes de ganar el Oscar , algo que Murphy todavía está procesando. Sin embargo, el trabajo lo mantiene ocupado. Su compañía ya tiene otra película en posproducción, “Steve”, basada en la novela “Shy” de Max Porter. Y en septiembre comenzó a filmar la película “Peaky Blinders”.
Murphy habló con The Associated Press, antes de dirigirse a “Peaky Blinders”, sobre ser un “colaborador serial”, la humilde y pasiva experiencia de ganar el Oscar y presentarle la película a Matt Damon durante una filmación nocturna en “Oppenheimer”. Los comentarios han sido editados para mayor claridad y brevedad.
AP: ¿Qué te hizo querer ver el libro de Claire convertido en película?
MURPHY: Es una historia aparentemente sencilla, pero en realidad es increíblemente compleja por la forma en que habla de la sociedad, la complicidad, la vergüenza, la culpa, el secreto, el miedo y todas esas cosas. Sentí que tenía mucho que ofrecer al público.
AP: Y como actor, ¿qué oportunidades viste con tu personaje?
MURPHY: Es un protagonista masculino escrito por una mujer, pero es una historia sobre mujeres. Eso fue bastante interesante y poco convencional. Y la historia realmente comienza cuando termina la película. El verdadero drama sucede después. Y creo que eso es muy poco convencional y bastante radical. La razón por la que Bill es el hombre que es es por lo que le pasó cuando era niño y por ese acto de caridad que experimentó su madre. Y luego esos horribles actos de crueldad que experimentan estas otras chicas: eso es lo que lo está llevando a este punto en su vida.
Claire había dicho en un podcast que alguien había dicho "oh, es un acto tan heroico" y ella dijo "no, él no es un héroe, es solo alguien que está teniendo una crisis nerviosa". Pensé que era muy inteligente y así fue como traté de interpretarlo.
Todo vuelve, como suele ocurrir con los hombres, en la mediana edad. Empiezan a percibir realmente su mortalidad y tienen sus propios hijos. Es entonces cuando todo parece desmoronarse. Y Claire y Enda (Walsh) lo observan de forma muy hermosa.
AP: Hay muchas personas involucradas en esta película con las que ya habías trabajado antes, desde el director Tim Mielants (“Peaky Blinders”) hasta tus amigos de “Disco Pigs” (la dramaturga Enda Walsh y la actriz Eileen Walsh, que interpreta a la esposa de Bill). ¿Por qué los llamaste?
MURPHY: Soy una especie de colaborador habitual. Me encanta volver a trabajar con gente. Y creo firmemente que el mejor trabajo se consigue a partir de la confianza y la amistad. He trabajado con Enda en el teatro unas cuatro o cinco veces y, en general, es brillante. Sabía que le encantaba el libro de Claire y que entendería ese mundo. Y Eileen, es muy difícil actuar con 20 años de historia, pero cuando tienes 28 años de historia, todo te sale gratis. Es una actriz increíblemente poderosa. Puede hacer prácticamente cualquier cosa.
AP: Matt Damon también es productor a través de Artists Equity. ¿Cómo surgió esa idea?
MURPHY: Mi socio de producción estaba trabajando con Matt en el documental de U2 sobre Sarajevo, y yo estaba trabajando con Matt en “Oppenheimer”. Fue un movimiento de pinza. Recuerdo que era como un rodaje nocturno en algún lugar del desierto, y estábamos esperando a que dejara de llover o a que arreglaran las luces. Y él me estaba hablando de Artists Equity . Le dije, bueno, resulta que tengo este guion, y se lo di. Tiene un gusto excelente. Es un gran cineasta y actor, una leyenda y un ser humano encantador. Realmente entiende este tipo de historias. E inmediatamente dijo, sí, estamos listos.
AP: ¿Sientes que el triunfo del Oscar y el éxito de “Oppenheimer” ayudaron de alguna manera a que esta película despertara más interés entre los distribuidores estadounidenses?
MURPHY: No lo sé, la verdad, porque es algo nuevo y fresco. Es muy difícil hablar de ello porque fue una experiencia muy humilde y casi pasiva, porque no tienes ningún control sobre los votos de otras personas sobre el trabajo que hiciste. Pero si nos permite contar el tipo de historias que me gustaría contar, que tienen un punto de vista, que tienen algo que decir, entonces lo acepto.
Lindsey Bahr
Bahr ha sido escritor y crítico de cine para The Associated Press desde 2014.
NUEVA YORK (AP) — Es una de las voces más reconocibles del planeta: el tenor de Andrea Bocelli es adorado a través de generaciones, culturas y fronteras, conocido por provocar lágrimas con tan solo tres simples palabras: “Con Te Partirò”, o en su versión en inglés, “Time to Say Goodbye”.
Este año, está celebrando el 30 aniversario de su carrera con un nuevo álbum recopilatorio, “Duets”, que presenta colaboraciones previamente lanzadas y nuevas de su trabajo más conocido, así como algunas versiones contemporáneas sorprendentes, y el lanzamiento de una nueva película de concierto, “Andrea Bocelli 30: The Celebration”, que llegará a los cines el viernes.
Entonces ¿por qué duetos?
“Desde que era un niño me encantan las voces y me gusta mucho compartir el escenario con los mejores artistas y voces. Así que en este álbum están los mejores duetos que he hecho en mi vida”, dijo a The Associated Press. “Desde el primero, 'The Prayer' con Céline Dion, hasta el último, como 'Perfect' con Ed Sheeran y muchos, muchos otros. Y el álbum ha sido remasterizado y remezclado. Así que espero que el sonido pueda ser mejor”.
Dice: “Lo más importante en las voces… es ser reconocibles, dar emoción”.
La colaboración con Sheeran fue interesante porque cuando Bocelli intentó cantar “Perfect” por primera vez, el cantautor inglés no era un gran admirador. “No le gustó lo que hice porque canté en un estilo pop”, recuerda. “Quería escuchar mi voz, como en un estilo operístico”. Entonces, Sheeran viajó a la casa de Bocelli en la Toscana y la canción se transformó. “Tenía razón porque esta canción tuvo un gran éxito”.
Cuando se le pregunta si hay alguien que le hubiera gustado añadir a la colección “Duets”, Bocelli responde que por supuesto, pero “fallecieron antes de que yo empezara a cantar. Por ejemplo, me gustaría mucho cantar con Maria Callas o (Renata) Tebaldi o Magda Olivero. Hay muchas cantantes maravillosas e increíbles. Lamentablemente, ya no están con nosotros”.
Tres décadas después de haber iniciado su carrera, Bocelli ha actuado para presidentes, papas y estadios llenos en todo el mundo, además de haber vendido casi 90 millones de discos en todo el mundo, según un comunicado de prensa. “La realidad superó mis sueños más locos”, afirma.
No es de extrañar que reflexione sobre esa época. “Me gusta cantarle al futuro. Sinceramente, no me gusta pensar con nostalgia en el pasado”, afirma. “La primera vez que subí al escenario, para mí fue como si fuera ayer. El tiempo pasó tan rápido, tan rápido. Y sí, ahora me gusta pensar en el futuro”.
¿Qué espera dejar como legado en los próximos 30 o 300 años? “En Italia tenemos una expresión muy famosa: la gente que venga después de nosotros nos juzgará”, dice con un traductor. “Así que no puedo forzar el juicio de la gente, pero siento que mi público me tiene un gran cariño y ese es mi objetivo. Cuando alguien en la calle se me acerca y me dice: 'Gracias por tu voz, por tu música', creo que la misión está cumplida”.
En “Duets”, Bocelli canta en italiano, inglés, francés y español. “Hay muchos idiomas, pero es muy difícil. Recuerdo el día que intenté cantar en chino, sólo unas pocas líneas, pero me resultó muy difícil”, se ríe.
También toca en distintos géneros, trabajando con todos, desde superestrellas latinas como Karol G y Jennifer Lopez hasta músicos country como Chris Stapleton y Shania Twain. “Me gustaría intentar cantar jazz”, dice. “Pero es demasiado difícil para mí porque debes vivir en una atmósfera, aprender paso a paso, día a día. Me gusta el jazz, pero está demasiado lejos de la experiencia de mi vida”.
Es poco lo que no ha hecho en estas tres últimas décadas, pero el objetivo final ahora, dice, está impregnado de fe. “He tenido mucha suerte y he alcanzado el cariño de la gente. Ahora debo intentar merecer el cariño de Dios. Es más difícil”.
Pero seguirá actuando para quienes lo aman. El 4 de diciembre, la gira de Bocelli por Estados Unidos comienza en San Diego y se extenderá durante todo el mes, antes de comenzar nuevamente en febrero y junio de 2025. Las fechas finales se llevarán a cabo en Napa Valley, California, el 21 y 22 de junio.
Quincy Jones , el talentoso titán de la música cuyo vasto legado abarcó desde la producción del histórico álbum "Thriller" de Michael Jackson hasta escribir bandas sonoras premiadas para cine y televisión y colaborar con Frank Sinatra, Ray Charles y cientos de otros artistas discográficos, murió a los 91 años.
El publicista de Jones, Arnold Robinson, dijo que el actor murió el domingo por la noche en su casa en el barrio Bel Air de Los Ángeles, rodeado de su familia. Jones iba a recibir un premio honorífico de la Academia a finales de este mes.
“Esta noche, con el corazón lleno pero destrozado, debemos compartir la noticia del fallecimiento de nuestro padre y hermano Quincy Jones”, dijo la familia en un comunicado. “Y aunque esta es una pérdida increíble para nuestra familia, celebramos la gran vida que vivió y sabemos que nunca habrá otro como él”.
Jones pasó de relacionarse con pandillas en el South Side de Chicago a las cumbres del mundo del espectáculo, convirtiéndose en uno de los primeros ejecutivos negros en prosperar en Hollywood y amasando un catálogo musical extraordinario que incluye algunos de los momentos más ricos del ritmo y la canción estadounidenses. Durante años, era poco probable encontrar un amante de la música que no tuviera al menos un disco con su nombre, o un líder de la industria del entretenimiento y más allá que no tuviera alguna conexión con él.
Jones estuvo en compañía de presidentes y líderes extranjeros, estrellas de cine y músicos, filántropos y líderes empresariales. Realizó giras con Count Basie y Lionel Hampton, arregló discos para Sinatra y Ella Fitzgerald, compuso las bandas sonoras de “Roots” y “In the Heat of the Night”, organizó la primera celebración de la toma de posesión del presidente Bill Clinton y supervisó la grabación estelar de “We Are the World”, el disco benéfico de 1985 para ayudar a combatir el hambre en África.
Lionel Richie, quien coescribió “We Are the World” y estuvo entre los cantantes destacados, llamaría a Jones “el maestro orquestador”.
En una carrera que comenzó cuando los discos todavía se tocaban en platos que giraban a 78 rpm, los máximos honores probablemente se los lleven sus producciones con Jackson: “Off the Wall”, “Thriller” y “Bad” fueron álbumes casi universales en su estilo y atractivo. La versatilidad e imaginación de Jones ayudaron a desencadenar los explosivos talentos de Jackson mientras se transformaba de estrella infantil al “Rey del Pop”. En temas clásicos como “Billie Jean” y “Don't Stop 'Til You Get Enough”, Jones y Jackson crearon un paisaje sonoro global a partir de disco, funk, rock, pop, R&B y jazz y cantos africanos. Para “Thriller”, algunos de los toques más memorables se originaron con Jones, quien reclutó a Eddie Van Halen para un solo de guitarra en “Beat It”, una fusión de géneros, y trajo a Vincent Price para una macabra voz en off en la canción principal.
“Thriller” vendió más de 20 millones de copias solo en 1983 y compitió con “Greatest Hits 1971-1975” de los Eagles, entre otros, como el álbum más vendido de todos los tiempos.
“Si un álbum no funciona bien, todo el mundo dice que fue culpa de los productores; así que si funciona bien, también debería ser culpa tuya”, dijo Jones en una entrevista con la Biblioteca del Congreso en 2016. “Las canciones no aparecen de repente. El productor tiene que tener la habilidad, la experiencia y la capacidad de guiar la visión hasta su realización”.
La lista de sus honores y premios llena 18 páginas en su autobiografía de 2001, “Q”, incluidos 27 Grammys en ese momento (ahora 28), un Oscar honorario (ahora dos) y un Emmy por “Roots”. También recibió la Legión de Honor de Francia, el Premio Rudolph Valentino de la República de Italia y un homenaje del Centro Kennedy por sus contribuciones a la cultura estadounidense. Fue el tema de un documental de 1990, “Listen Up: The Lives of Quincy Jones” y una película de 2018 de su hija Rashida Jones. Sus memorias lo convirtieron en un autor de gran éxito.
Nacido en Chicago en 1933, Jones citaba los himnos que su madre cantaba en la casa como la primera música que podía recordar. Pero recordaba con tristeza su infancia, y una vez le dijo a Oprah Winfrey que “hay dos tipos de personas: las que tienen padres o cuidadores que las cuidan y las que no. No hay nada intermedio”. La madre de Jones sufría problemas emocionales y finalmente fue internada en una institución, una pérdida que hizo que el mundo pareciera “sin sentido” para Quincy. Pasó gran parte de su tiempo en Chicago en las calles, con pandillas, robando y peleando.
“Me clavaron la mano a una valla con una navaja, hombre”, le dijo a la AP en 2018, mostrando una cicatriz de su infancia.
La música lo salvó. De niño, se enteró de que un vecino de Chicago tenía un piano y pronto él mismo lo tocaba constantemente. Su padre se mudó al estado de Washington cuando Quincy tenía 10 años y su mundo cambió en un centro recreativo del barrio. Jones y algunos amigos habían entrado a la cocina y se habían servido un pastel de merengue de limón cuando Jones notó que había una pequeña habitación cerca con un escenario. En el escenario había un piano.
“Subí allí, me detuve, me quedé mirando y luego oriné un momento”, escribió en su autobiografía. “Ahí fue donde comencé a encontrar la paz. Tenía 11 años. Sabía que esto era para mí. Para siempre”.
En pocos años, Jones ya tocaba la trompeta y se hizo amigo de un joven músico ciego llamado Ray Charles, con quien se convirtió en un amigo para toda la vida. Tenía el talento suficiente para ganar una beca en el Berklee College of Music de Boston, pero abandonó sus estudios cuando Hampton lo invitó a salir de gira con su banda. Jones pasó a trabajar como compositor, director, arreglista y productor independiente. De adolescente, apoyó a Billie Holiday. A mediados de sus 20 años, ya estaba de gira con su propia banda.
“Teníamos la mejor banda de jazz del planeta y, sin embargo, nos moríamos de hambre”, dijo Jones más tarde a la revista Musician. “Fue entonces cuando descubrí que existía la música y que existía el negocio de la música. Si quería sobrevivir, tendría que aprender la diferencia entre ambos”.
Como ejecutivo musical, superó las barreras raciales al convertirse en vicepresidente de Mercury Records a principios de los años 60. En 1971, se convirtió en el primer director musical negro en participar en la ceremonia de los Premios de la Academia. La primera película que produjo, “El color púrpura”, recibió 11 nominaciones al Oscar en 1986 (pero, para su gran decepción, no ganó ninguna). En asociación con Time Warner, creó Quincy Jones Entertainment, que incluía la revista de cultura pop Vibe y Qwest Broadcasting. La empresa se vendió por 270 millones de dólares en 1999.
“Mi filosofía como hombre de negocios siempre ha tenido las mismas raíces que mi credo personal: tomar a las personas talentosas en sus propios términos y tratarlas de manera justa y con respeto, sin importar quiénes sean o de dónde vengan”, escribió Jones en su autobiografía.
Se sentía cómodo con prácticamente todas las formas de música estadounidense, ya fuera poniendo en ritmo contundente y swing “Fly Me to the Moon” de Sinatra y tocando una flauta melancólica o abriendo su producción de la conmovedora “In the Heat of the Night” de Charles con un vigoroso solo de saxo tenor. Trabajó con gigantes del jazz (Dizzy Gillespie, Duke Ellington), raperos (Snoop Dogg, LL Cool J), cantantes melódicos (Sinatra, Tony Bennett), cantantes pop (Lesley Gore) y estrellas del rhythm and blues (Chaka Khan, Queen Latifah).
Solo en “We are the World” participaron Michael Jackson, Bob Dylan, Billy Joel, Stevie Wonder y Bruce Springsteen. Coescribió éxitos para Jackson – “PYT (Pretty Young Thing”) y Donna Summer – “Love Is in Control (Finger on the Trigger)” – y tuvo canciones sampleadas por Tupac Shakur, Kanye West y otros raperos. Incluso compuso el tema principal de la comedia “Sanford and Son”.
Jones fue un facilitador y creador de estrellas. Le dio a Will Smith una oportunidad clave en el exitoso programa de televisión “El príncipe de Bel-Air”, que produjo Jones, y a través de “El color púrpura” presentó a Winfrey y Whoopi Goldberg a los espectadores de cine. A partir de la década de 1960, compuso más de 35 bandas sonoras para películas, incluidas “El prestamista”, “En el calor de la noche” y “A sangre fría”.
Calificó la composición como “un proceso multifacético, una combinación abstracta de ciencia y alma”.
El trabajo de Jones en la banda sonora de “The Wiz” lo llevó a asociarse con Jackson, quien protagonizó la película de 1978. En un ensayo publicado en la revista Time después de la muerte de Jackson, en 2009, Jones recordó que el cantante guardaba trozos de papel con pensamientos de pensadores famosos. Cuando Jones le preguntó sobre el origen de un pasaje, Jackson respondió “Sócrates”, pero lo pronunció “SO-crayts”. Jones lo corrigió: “Michael, es SOCK-ra-tees”.
“La mirada que me dirigió en ese momento me impulsó a decir, porque me habían impresionado todas las cosas que vi en él durante el proceso de ensayo, 'Me encantaría intentar producir tu álbum'”, recordó Jones. “Y se lo dijo a la gente de Epic Records, y le dijeron: 'De ninguna manera, Quincy es demasiado jazzero'. Michael insistió, y él y sus representantes volvieron y dijeron: 'Quincy está produciendo el álbum'. Y procedimos a hacer 'Off the Wall'. Irónicamente, ese fue uno de los álbumes negros más vendidos en ese momento, y ese álbum salvó todos los trabajos de la gente que decía que yo era la persona equivocada. Así es como funciona".
Las tensiones surgieron después de la muerte de Jackson. En 2013, Jones demandó a los herederos de Jackson , alegando que se le debían millones en regalías y honorarios de producción por algunos de los grandes éxitos de la superestrella. En una entrevista de 2018 con la revista New York, calificó a Jackson como "tan maquiavélico como se puede ser" y alegó que había copiado material de otros.
Jones era adicto al trabajo y al ocio, y a veces sufría por ello. Casi muere de un aneurisma cerebral en 1974 y sufrió una profunda depresión en la década de 1980 después de que los votantes de los premios de la Academia rechazaran “El color púrpura”; nunca recibió un Oscar en competencia. Padre de siete hijos de cinco madres, Jones se describía a sí mismo como un “perro” que tenía innumerables amantes en todo el mundo. Se casó tres veces, entre sus esposas se encontraba la actriz Peggy Lipton.
“Para mí, amar a una mujer es uno de los actos más naturales, felices, enriquecedores y, me atrevo a decir, religiosos del mundo”, escribió.
Además de Rashida, a Jones le sobreviven sus hijas Jolie Jones Levine, Rachel Jones, Martina Jones, Kidada Jones y Kenya Kinski-Jones; su hijo Quincy Jones III; su hermano Richard Jones y sus hermanas Theresa Frank y Margie Jay.
En sus primeros años no fue un activista, pero cambió después de asistir al funeral del reverendo Martin Luther King Jr. en 1968 y luego entablar amistad con el reverendo Jesse Jackson. Jones se dedicó a la filantropía y dijo que "el mejor y único aspecto útil de la fama y la celebridad es tener una plataforma para ayudar a los demás".
Entre sus causas se encontraban la lucha contra el VIH y el sida, la educación de los niños y la ayuda a los pobres de todo el mundo. Fundó la fundación Quincy Jones Listen Up! para conectar a los jóvenes con la música, la cultura y la tecnología, y dijo que durante toda su vida estuvo impulsado por "un espíritu de aventura y un nivel criminal de optimismo".
“La vida es como un sueño”, dijo el poeta y filósofo español Federico García Lorca, escribió Jones en sus memorias. “El mío era en Technicolor, con sonido Dolby completo a través de amplificación THX, antes de que supieran lo que eran estos sistemas”.
El periodista de entretenimiento de AP Andrew Dalton y el ex periodista de entretenimiento de AP Sandy Cohen contribuyeron a este informe desde Los Ángeles.
MADRID (AP) — Son los ojos que miran desde los lienzos los que lo atrapan, su mirada perforando la frontera entre el arte y la vida.
Es por eso que el aclamado novelista irlandés John Banville prefiere visitar el Museo del Prado de España durante su horario de apertura, aunque ha sido invitado a visitarlo en cualquier momento como parte de una beca literaria de un mes de duración.
Aún así, no quiere estar solo con la multitud de observadores colgados de las paredes de las laberínticas galerías.
“No me gusta venir aquí después de hora, es demasiado espeluznante. Los cuadros te miran”, dijo Banville, apartando la mirada del propio Diego Velázquez que lo observaba desde la obra más importante del español, “ Las Meninas ”.
El enorme cuadro del siglo XVII muestra a la Infanta Margarita, sus jóvenes damas de compañía, un enano, un bufón con un perro, una monja, un hombre misterioso que sale por una puerta, un espejo que refleja al rey Felipe IV y a su reina... y también a Velázquez, alejándose de su lienzo y mirando directamente al espectador.
La pintura, un modelo de sofisticación barroca, ha fascinado a generaciones de artistas. Banville, con su amor por el detalle poético, no es diferente.
“Creo que 'Las Meninas' siempre es una sorpresa para mí y un desafío”, dijo Banville a The Associated Press durante un reciente paseo por el Prado.
“Es un enigma, una rareza. Cada vez que lo miro, se vuelve más extraño”, dijo, rodeado de una multitud de visitantes del museo. “Velázquez te mira y te dice: ‘Mira lo que hice. ¿Habrías sido capaz de hacer algo así?’”.
El acceso privilegiado de Banville al Prado (incluso fuera del horario de atención y en zonas restringidas como sus talleres de restauración) durante el último mes es parte del programa “Escribiendo el Prado” del museo.
El programa, patrocinado por la Fundación Loewe, comenzó el año pasado y cuenta entre sus primeros becarios a los ganadores del Premio Nobel John Coetzee y Olga Tokarczuk, así como a la autora mexicano-estadounidense Chloe Aridjis.
Los becarios se sumergen en el museo durante cuatro semanas antes de producir una obra corta de ficción publicada por el Prado con la guía editorial de la revista Granta en español.
Banville, autor de “El mar”, ganadora del premio Booker, la reciente “Las singularidades”, así como de populares novelas policiales, tiene una idea de lo que escribirá después de su profunda inmersión en los viejos maestros.
"No he resuelto los detalles", dijo, pero se trata de alguien que pasa por la galería y de esos ojos penetrantes.
“Los ojos lo siguen. Y creo que... toda su vida... había tenido miedo de que lo descubrieran, y todos esos ojos parecen saberlo. Y creo que Velázquez dice: 'Sí, sé quién eres'”.
Un artista frustrado que pinta con palabras
Aunque su fascinante novela “El libro de las pruebas” gira en torno a un robo de arte fallido, la relación del narrador con la pintura se remonta a un adolescente inquieto tentado a coger el pincel además de la pluma.
“No sabía dibujar, no tenía sentido del color ni habilidad para el dibujo. Estas son desventajas claras si quieres ser pintor”, dijo Banville con una risita irónica. “Pinté algunos cuadros horribles, Dios mío. Si algún día salen a la luz, estoy condenado”.
A partir de ahí, dice, la frase fue su pincelada.
Sin fotos, por favor
Más de 3,2 millones de personas visitaron el Prado el año pasado para admirar una impresionante colección de obras de arte del Siglo de Oro español.
Las 4.000 obras de arte en exposición, incluidas las colecciones más grandes del mundo de obras de Velázquez, Rubens, El Bosco, Goya, El Greco y Tiziano, junto con joyas de Caravaggio , Fra Angelico y Bruegel el Viejo, son solo una muestra de los 34.000 artículos de su tesoro.
El Prado ofrece consuelo a Banville y a otros que necesitan escapar del mundo moderno: tomar fotografías con un teléfono o una cámara está estrictamente prohibido.
“Es maravilloso. Veo gente que va a otras galerías tomando fotos y quiero decirles: '¡Miren la maldita foto!'”, dijo Banville. “Todos los museos del mundo deberían implementar esa regla”.
Aunque Banville considera que las siniestras “Pinturas negras” de Goya son “exageradas”, las seductoras damas de “El jardín del amor” de Rubens, de las que dice en broma que “están hechas de masa de pan”, lo han conquistado.
Otro Velázquez le llama la atención, o tal vez es Banville quien es notado por los borrachos lascivos en “El banquete de Baco”, donde el dios del vino se deleita con algunos hombres hasta bien entrada la copa.
En Madrid, Banville también se ha permitido su primer mes de descanso de una rutina diaria de escritura que cree haber mantenido desde que empezó a garabatear historias a los 12 años.
“Una vocecita dentro de mí me decía: ‘John, tómate un mes de descanso. Solo disfruta’”, dijo. “Mi familia en Irlanda me contaba lo terrible que era el clima y yo estoy sentado aquí tomando una copa de vino al sol. No me atrevo a decírselo”.
A sus 78 años y tras enviudar hace tres, no está seguro de cuántos libros más le quedan por leer, pero hay algo que no le preocupa: que la inteligencia artificial usurpe el lugar de los verdaderos artistas.
“Una obra de arte es algo muy raro. Hay intentos de hacer obras de arte y hay gente que imagina que ha hecho una obra de arte, pero son simplemente kitsch. El arte real no sucumbirá a la IA”, afirmó.
EL ALTO, Bolivia (AP) — ¿Y si en los altares por el Día de Muertos no solo hubiera fotos de los parientes fallecidos, sino algo más real? Es lo que está haciendo un artista en Bolivia.
Las tradiciones para recordar a los difuntos atraviesan varios países latinoamericanos, cada uno con similitudes y particularidades. El artista plástico boliviano William Luna quiso diferenciarse y añadió un punto de realismo a los panes que se venden en estas fechas: tallar de la forma más fiel posible una pequeña carita de los familiares que ya les dejaron y que va colocada sobre la masa.
Lo habitual en Bolivia para estas fechas es preparar un pan con la silueta de un cuerpo humano y con una careta, que a veces representa un rostro genérico y a veces simula personajes conocidos de la vida pública o de la ficción. Se llama tantawawa, una combinación de dos palabras aymaras: tanta, que significa pan, y wawa, bebé.
Las tantawawas forman parte del folclor boliviano y se cree que unen a los vivos con los muertos. Ese pan se comparte con la comunidad, así como otros alimentos, bebidas y dulces con los que las familias esperan el regreso de los seres queridos. El 2 de noviembre, el día de Todos Santos, los cementerios se colman de visitas a los que partieron y el pan se despacha y entrega a cambio de oraciones.
La apuesta particular de Luna, de 40 años, es que sus tantawawas se parezcan realmente a los difuntos. Él realiza tallados personalizados a pedido de sus clientes.
“La idea original de todo esto es volverse a encontrar con la persona que ha partido hace mucho tiempo, volverlo a ver. Aunque sea de esta forma, que no está aquí, en físico”, compartió.
Cuando perdió a su madre, quiso hacer un homenaje en el primer año de su muerte en 2017 y ahí empezó todo. Primero, diseñó una careta que la representaba a ella y ahora espera llegar a más familias al vender sus propuestas en mercados populares.
El artista inicia el trabajo con un poco de arcilla y va moldeándola con estecas —unas herramientas de plástico que parecen cuchillos con diferentes puntas—, mientras mira desde su celular la foto del difunto para copiar los rasgos. El proceso, que en total demora una semana y solo le permite hacer una pieza por vez, replica la figura en un molde de goma del que luego saca la careta hecha con yeso. Para finalizar, la familia Luna ayuda con el pintado.
“Las familias nos piden que la careta sea lo más exacto posible a su difunto querido, por eso yo me baso en las peculiaridades que cada persona tiene, todos tenemos rasgos especiales”, mencionó Luna.
Sus caretas personalizadas se venden junto con otras más tradicionales de hombres, mujeres, niños, bebés e, incluso, mascotas. Otros artesanos han ido introduciendo novedades como rostros que representan a personajes del cine, como el superhéroe Deadpool, o los dibujos animados de la película “Intensamente”.
“El fin es seguir atrayendo a los niños, a las nuevas generaciones... Que compartan con sus padres y tengan su tantawawa”, contó la vendedora Julia Alanoca, para quien las ventas fueron bajas al inicio de la semana pero mejoraron a medida que se acercaba el día de Todos Santos.
El antropólogo Milton Eyzaguirre, del Museo Nacional de Etnografía y Folklore, explicó a la AP que no hay registros exactos del origen de la tantawawa, pero se la relaciona con el periodo prehispánico. También se preparaban entonces, aunque “con harina de quinoa”.
“Y, obviamente, se transformó cuando llegaron los españoles, porque estas tantawawas comenzaron a hacerse con harina de trigo”. Se fusionó con antiguas tradiciones de indígenas, que creían en una vida después de la muerte. La idea es que los seres queridos fallecidos regresan por un día para compartir con los vivos la mesa que estos dejan servida, incluyendo la tantawawa.
“Nuestra tradición señala que las almas llegan de hambre y sed y es por eso que las familias los esperan con comida”, señaló Eyzaguirre.
Y, ¿qué tiene que ver una wawa (bebé) con el pan que se ofrece a los muertos?
“Eso es fundamental, porque es igual a la renovación de la vida”, recalcó el antropólogo, explicando la relación de esta costumbre con el ciclo agrícola. “Los difuntos están en el subsuelo, en la tierra, por eso se lo relaciona con las plantas que están por nacer... También con que traen lluvias”, mencionó. Es otra de las particularidades del país al celebrar el día de muertos.
Por eso, las festividades en las zonas rurales andinas de Bolivia se prolongan hasta febrero. Hasta que llegan los carnavales.
Radio América es una emisora de habla hispana que transmite desde la ciudad de Laurel en el estado de Maryland cubriendo con sus 1,900 vatios de potencia toda el área metropolitana de Washington D.C. en la cual residen cerca de 1 millón de Latinos.
Su propietario es Alejandro Carrasco considerado como la personalidad radial hispana mas influyente en Washington, Maryland y Virginia.
Su frecuencia, 900 AM una Ubicación ideal en el dial para alcanzar a toda la comunidad latina en el area metropolitana de Washington.
Cillian Murphy no leyó “Small Things Like These” en busca de una película que rodar. Era simplemente un fanático de la autora, Claire Keegan.
